The Art-ivism of Keith Haring

You recognise Keith Haring’s work instantly: thick outlines of faceless people wildly waving limbs, barking dogs and other pop culture icons, filled out with bright block colours, a fresh, punk aesthetic that transports you to the streets of New York City. But the simplicity and cool that his style came to represent on posters, t-shirts and coffee mugs around the world belies the powerful political messages he created with his drawings and paintings, which were not just graffiti and certainly not relegated to the elite status of high art – his art was for the people.

Haring became a pop culture hero in the 1980s, showing with the likes of Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Robert Rauschenberg and Roy Lichtenstein. His works were not just cool to look at, but often they were vivid protests against everything he felt was screwed up about society, from the suffocating repression by church and state, to the damage done by capitalism and mass media, to the scourge of AIDS and the importance of safe sex.

In one of the largest ever exhibitions of his work, the Musee D’Arte Moderne in Paris is currently showing around 220 pieces of Haring’s art in an exhibition titled The Political Line. Here are five things it’s hard not to feel passionate about after witnessing his story in pictures.

Art is for the people

When Haring started out, having moved from Pennsylvania to New York to study art in 1978, he was reluctant to paint on canvas – feeling as though “it conveyed a message in itself”: a stench of elitism. He opted for platforms that to him felt more egalitarian: paper, large tarpaulins, and the streets. For him public space was fair game. He gained a reputation for travelling the subway with a bag of chalk, filling in empty black advertising spaces on the platforms with drawings that people looked forward to on a daily basis.

He wasn’t just about images, either, but words as well, cutting and pasting newspaper headlines to make fake ones that ridiculed figures like Ronald Reagan and Pope John Paul and pasting them on the street, making people double take to wonder whether Ronald Reagan really did kill and eat his lover.

Stand up to the big man

As his creative news headlines showed, whether by the state, the church, or a cruel minority, Haring railed against the abuse of power by authorities over individuals. While he was accepting of individual beliefs and faiths, having grown up in a straitlaced family in Pennsylvania, Haring frequently drew the crucifix as a symbol of hypocrisy and power over others. In one untitled piece a figure stabs another figure with a stake or baton – a symbol representative of authority in much of Haring’s work, a bit like a police baton – while holding a cross behind his back.

Openly gay, Haring felt at home in eighties New York among a melting pot of minorities, and even once said that he felt he was black on the inside. No surprise, then, that he abhorred apartheid and made it the subject of many a piece, including one particularly iconic work showing a black man leashed by a white man, but growing to ten times the white man’s size and preparing to stamp on him – holding in one hand a crucifix, a weapon – religion – frequently used in apartheid to justify horrific acts against black people. He handed out this image on posters at an anti-apartheid demonstration in 1985.

Consumerism is choking us

In one painting that goes beyond the simplicity of his iconic jelly-bean people, Haring shows us what appears to be a sow. Its ugly pink head is vomiting a green stream that, if you look closely, is populated by material things like computers, TV sets and household appliances. Emerging from the slime of stuff are the mouths and noses of people drowning in it, while those who survive are suckling on the teats of the pig. It’s a scathing representation of capitalism, which is another strong theme in Haring’s work over the years. He also riffed on the commercialisation of art – an interesting theme given that his work is emblazoned on so many t-shirts, key-rings and iPhone covers today – by depicting Andy Warhol as Mickey Mouse, surrounded by dollar signs and the Coke logo.

Dicks really are fun to draw

Haring’s work is full of phalli. Seriously. So many. In his early days at the School of Visual Arts, his teacher Barbara Schwartz suggested her students keep sketchbooks in order to learn to draw things from different angles. Haring, her star pupil, handed her one containing 300 drawings of penises. On the wall at the MaM is a series of around 30 of these: penises of all shapes, sizes and levels of detail.

Throughout Haring’s work, figures use their tools to exact powers over others or to show off some perceived excess; one particularly bold image in his Ten Commandments series for the Bordeaux Museum of Art shows a giant God-like figure raping two of his “flock” with two penises. Vaginas also get frequent coverage as crude, gaping slits. A central piece in the Political Line exhibition is a three-metre-tall pink penis filled with a melee of figures rampantly copulating and giving birth up and down its shaft, symbolising the vulgarity of the cycle of capitalism.

Technology threatens our imaginations

“Eventually the only worth of man will be to service and serve the computer.” That was Keith Haring’s belief. While technology can certainly facilitate whole new ways of creativity, Haring was old school in this respect. But even today – or especially today – it’s hard to argue otherwise; life without these machines – I’m on one as I write, and you’re using one as you read – is a distant memory and a virtually unthinkable concept. (If you didn’t post that moment on Instagram, did it really happen?) Another motif in his work was a large black robot. In one piece it ravages a city and represents the specter of technological dependency. Haring saw computers as a threat to creativity and individuality, arguing that “a machine cannot program the human imagination”. He’s got a point there.

Safe sex, no regrets

Much of Haring’s last works reflected the late stages of his life – a life ravaged by AIDS, the disease that killed many of his friends as it burned through the gay community, putting a sobering end to a time of sexual freedom and eventually claiming Haring himself in 1990. He was just 32. His paintings became a campaign to warn others and urge them to protect themselves, demanding action and starting a conversation at a time when there was a lot of fear and shame tied to the topic. One mural depicts the disease in the most literal terms – as a giant, threatening spermatozoa – while his most famous AIDS piece, “Silence = Death”, shows a pink triangle filled with figures in “hear no, see no, speak no” poses. Most poignant in the last room of the Political Line exhibition is a piece titled “Unfinished”, with a bold purple pattern of figures covering only one corner of a canvas, the rest of it blank but for drips of paint.

But while his short life and career lasted, Keith Haring burned as bright as his artworks, inserting passion and meaning into some of the 20th century’s most iconic symbols of pop culture. Remember that next time you see those wobbly figures – they’re not just cool, they’re saying something.

Keith Haring in 1987

“El público tiene derecho al arte. El público es ignorado por la mayor parte de los artistas. El público necesita arte. Y es una responsabilidad para todo aquel que se proclama artista el comprender que el público tiene necesidad de arte y no limitarse a hacer un arte burgués para unos pocos privilegiados ignorando a las masas. El arte es para todo el mundo”.

La reflexión es de Keith Haring (1958-1990), el artista que, a través de sus graffiti, pintados compulsivamente con tiza, pintura y pinceles (a los que rompía el mango para convertirlos en prolongaciones de sus dedos) en los pasillos del metro de Nueva York, alcanzó a millones de personas y desde allí extendió su visión a todo el mundo. No fue un pintor político; pero democratizó el arte; hizo de las calles su lienzo. Las cubriría con inmensos murales. De Manhattan, del East Village, de la miseria, el crack y el underground anterior a la era del alcalde Giuliani, saltaría a las doradas galerías de Leo Castelli y Tony Shafrazi, abarrotadas de celebrities, en cuyas paredes industriales se habían colgado obras de los más grandes de postguerra: Cy Twombly, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Richard Serra o Francis Bacon. Y, desde allí, Haring despegaría hacia la Documenta de Kassel, Barcelona, Mónaco, Brasil, Chicago, Londres, París, Pisa. A las enormes esculturas de acero y las cerámicas decoradas con sus obsesiones urbano-tribales y su mundo paralelo. A crear un poderoso merchandasing con tiendas propias en torno a su inimitable trabajo. Y, por fin, de allí, a la inmortalidad. Quizá demasiado pronto.

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Warhol y Mappethorpe observan como Haring pinta a Grace Jones. Fotografía de Javier Porto.

Nació entre los flecos del baby boom americano; creció con Vietnam como telón de fondo; era un joven artista con perspectiva y ambiciones durante el largo y crudo reinado de Reagan. Cuando chocaban a diario la locomotora que transportaba a Ron (Reagan), Maggie (Thatcher) y Wojtyla (Karol) con la del underground donde viajaba la nueva  contracultura animada con viejos ecos de la Velvet. Juerguista, noctívago y homosexual. Adicto al house y la heroína. Fue amigo de Warhol, Basquiat, Gaultier,Mapplethorpe y Madonna. Lector de Burroughs y Ginsberg. No perdonaba una noche sin danzar hasta el amanecer en el Club 57 (donde actuaban Lou Reed, Devo, Cindy Lauper y los B-52) o en el Mudd Club (donde tocaban Bowie y los Talking Heads). Contrajo el sida cuando el virus era aún una plaga bíblica enviada por dios para barrer del orbe cristiano a los maricones. Nunca lo escondió. Desde que tuvo constancia de que era seropositivo (e, incluso, antes), su arte se hizo más comprometido y comenzó a militar activamente para dar a conocer y erradicar la epidemia. Se convirtió en un apóstol del sexo seguro. En un discípulo del condón que nunca había usado. “Safe sex”, fue uno de sus últimos mandamientos. Murió con 32 años. Warhol había desaparecido tres años antes (por una negligencia médica); Basquiat, dos años antes (de sobredosis de caballo): Mapplethorpe, el año anterior (de complicaciones relacionadas con el sida). Solo quedaba él. Y se marchó. Quizá no le apetecía hacerse mayor: un graffter cincuentón y en limusina es un contrasentido. Aunque lleve sudadera con capucha, pantalones cagados y las uñas de luto de spray.

Nacido el 4 de mayo de 1958 en Pennsylvania, este artista es considerado el hijo del “pop art de Warhol, de los comics de Disney, de la era de la televisión, de la ciencia ficción, del vídeo, de los robots, de la tecnología, de la música disco, del rap, del sexo, las drogas y del efervescente East Village de los 70 y los 80”.

Estudió en la Ivy School of Proffesional Art de Pittsburgh en la cual ya comenzó a realizar serigrafías para vender camisetas. Continuó sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante el 78 y el 79. En este último año realizó una performance en el Club 57 de Manhattan llamada Poetry-Word-Things. Pero fue una conferencia del artista de origen búlgaro Christo la que le hizo comenzar a realizar sus creaciones en espacios abiertos y públicos.

Haring comenzó a pintar con rotuladores o con tizas blancas sobre los paneles negros reservados para publicidad en el metro de Nueva York, lo que en más de una ocasión le produjo algún que otro problema con la policía.Las figuras que pintaba Haring consistían en una mezcla de elementos sexuales, perros, platillos volantes, televisiones y referencias a la energía nuclear o bebes gateando. Siempre se buscaba la referencia a temas como le poder o el miedo a la tecnología.

En 1982 presentó una exposición en la prestigiosa sala Tony Shafrazi de Nueva York que tuvo un enrome éxito lo que lanzó definitivamente la carrera y el prestigio del artista. Un año más tarde conocería a William Burroughs, escritor icono de la generación beat que a principios de los 80 era una figura indispensable de la escena underground de Nueva York que junto a otros artistas buscaban mediante, arte, escritura o música un alternativa al modelo capitalista estadounidense. Haring era uno de los jóvenes que se unían a esta corriente, y a pesar de pertenecer a generaciones diferentes fraguaron una gran amistad y firmaron varias colaboraciones interesantes, como fueron Apocalypse en 1988 y The Valley en 1989.

Entre el 80 y el 85 el bombardeo de Haring en el suburbano llegó a tener unas dimensiones considerables y más adelante debido al éxito y popularidad que alcanzó realizó importantes trabajos. Podemos destacar un mural creado en 1986 para celebrar el centenario de la Estatua de la Libertad, en el que participaron 900 niños, un mural en el Necker Children’s Hospital de París en 1987 o el mural que pintó en lado oriental del muro de Berlín tres años antes de su caída.

En 1988 se le diagnosticó SIDA y un año más tarde abrió la fundación Keith Haring para apoyar a los afectados por el virus. La obra de Haring permanece expuesta en multitud de museos a lo largo del mundo, a parte de todo lo que se perdió por el carácter temporal que tiene el graffiti en paredes públicas.

En definitiva fue el artista de la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco y las culturas cubanas y africanas. Un combinado de influencias que le han convertido en uno de los iconos del pasado siglo XX. Y que al igual que Warhol combinó tanto moda, como música y arte.El 16 de Febrero de 1990, con tan sólo 31 años, fallecía a causa de su enfermedad. El 4 de Mayo de ese año se realizó una ceremonia en la Catedral de San Juan en Nueva York a la que acudieron más de 1000 personas a despedir al joven artista que marcó un estilo inconfundible.

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